Dazzle Paiting: cuando los cubistas pintaban barcos de guerra (Curiosidades de la historia del arte 1)

Camuflaje y cubismo, una relación.

Dijo Dalí en 1942: "La gente no se dio cuenta de que ese mismo verdadero cubismo (...) funcionaba ya en los campos de batalla". No és la primera manifestación que de alguna manera enlaza el arte, concretamente el arte cubista, con la guerra, especialmente la Gran Guerra. Fernand Léger dijo que no había nada mas cubista que una guerra como la Primera Guerra Mundial, cuya participación, le influyó profundamente. La posibilidad visual de la máquina como icono de la modernidad, mediante la utilización (a partir de los años de guerra) de las formas cilíndricas y geométricas, para idear este mundo idealizado,  acompañaron a Léger en los años que siguieron al finalizar el conflicto bélico. También el escritor inglés Wyndham Lewis, cofundador del vorticismo (movimiento próximo al cubismo), escribiría: "te sorprendería comprobar cuanto se parece el arte (moderno) a la guerra". Podríamos extender la lista a Kenneth Silver, Gertrude Stein...

Pero la Gran Guerra, no solo estubo relacionado con el arte cubista por la estética, sinó que existieró otro elemento, que unió muy estrechamente lo bélico con lo artístico. Este elemento de unión fue el camuflaje. 

Hay que recordar que la utilización del camuflaje era mal visto antes de la Primera Guerra Mundial.Considerado como algo para débiles e innobles, no sería hasta la guerra de 1914-18, cuando este elemento bélico empieza a ser tenido en cuenta. La primera referencia donde se ve una particular unión entre camuflaje y cubismo, la encontramos en la carta que Picasso enviaría el 7 de febrero de 1915 a su amigo Apollinaire, que en aquellos días se encontraba en el frente. El pintor español le ofrece la idea al francés, de pintar la artillería de colores a la forma de una arlequín, para así, augmentar la invisibilidad. Coincidencia o no, una semana después, el 15 de febrero de 1915, el Ministerio de Guerra de Francia ratifica la existencia oficial del primer equipo de camuflaje, el cual seguiría las sugerencias del pintor simbolista Lucien-Victor Guirand de Scevola. La puesta en marcha de estos sistemas de camuflajes fueron rápidos y el crecimiento del equipo, un claro reflejo de su funcionamiento. En  mayo del 1915 se puso en marcha el primer sistema de camuflaje en la Batalla de Artois, que consistía en un puesto de vigilancia de hierro camuflado con cortezas y otros materiales. En cuanto al equipo, el número de hombres fue aumentando de forma considerable, sobretodo, a partir de sujetos provenientes del mundo de la pintura cubista, tales como André Mare, Jacques Villon, Edward Alexander Wadsworth, Grant Wood, Arshile Gorki y un largo etcétera.

De Tayer a Kerr. El camuflaje en el mundo moderno.

Podemos considerar el "padre del camuflaje" el pintor y aficionado naturalista Abbott H. Tayer (1849-1921). Tayer, con el también artista George de Forest Brush (1855-1941) y sus respectivos hijos, estudiaron largo tiempo, como la coloración del mundo natural, era utilizada por los animales para esconderse de sus depredadores. Sus investigaciones, publicadas en 1866, llegaron a ser conocidas posteriormente como "Tayer's Law". Unas ideas, que se pusieron en conocimiento del gobierno norteamericano,durante la Guerra de los EEUU  con España de 1898, pero que finalmente no pudieron ser puestas en práctica, aunque si fueron patentadas. Todo y que faltarían unos cuantos años para el surgimiento del cubismo, existe ya, curiosamente, una relación entre arte y camuflaje.

Tendrian que pasar unos cuantos años, para que el mundo viviera otro conflicto bélico internacional, sería lo hoy conocemos como la Gran Guerra de 1914. Fue en este conflicto cuando se desenvolupó el conocido dazzle painting, un sistema de camuflaje naval, que buscaba, no la invisibilidad del navío, sinó en confundir al enemigo sobre la situación real en que se encontraba el barco. Todo y que muchos han atribuido el descubrimiento al zoologo Graham Kerr,  el verdadero sistema de camuflaje conocido como  dazzle painting fue ideado por el pintor Norman Wilkinson. 
Este sistema de camuflaje, utiilzado en los buques ingleses durante la Primera Guerra Mundial, también llamado dazzle camouflage o razzle dazzle, consistía en pintar los barcos con formas geométricas y con  colores llamativos. De esta forma la observación a distancia del buque, hacia difícil reconocer al enemigo la verdadera situación del barco, así como la dirección a la que se dirigía. El diseño de las embarcaciones era realizado por la Sección de Dazzle en la Royal Academy of Arts, en Burlington House en Londres. La supervisión de estos diseños, corría a cargo de el pintor proveniente del vorticisimo, Edward Wadsworth, el cual llegó a supervisar cerca de 2000 embarcaciones durante la Primera Guerra Mundial.

El sistema de camuflaje, no se quedó en la armada británica. Miles de barcos de todos los estados que participaron en el conflicto, adquirieron este sistema para evitar los ataques enemigos. Encontramos incluso los nombres de los buques mas ilustres del siglo, como el Mauritania,  "hermano" del Lusitania; el Glorie, de la armada francesa o el Mahomet, diseñado a partir de la inspiración cubista.


El dazzle painting en el lienzo.

Esta técnica de camuflaje, que bien podía encontrar su origen en el cubismo, regresó, tras el final de la Gran Guerra a los estudios de los artistas. Uno de los artistas que mas representó este tipo camuflaje en su obra, fue el británico Edward Wadsworth, encargado durante la guerra de la supervisión del diseño de los navíos. Próximo al vorticismo, Wadsworth, comenzó su vida artística bajo la influencia del postimpresionismo, pero la amistad con Wyndham Lewis, lo aproximó al movimiento futurista. Todo y que muchas veces se han vistos puntos en común entre el vorticismo y el futurismo, ambas corrientes artísticas discrepaban en puntos muy concretos, como el dinamismo en la pintura (ausente en el vorticismo) o la importancia de las máquinas (de las que los vorticistas desconfiaban). Todo y eso, la presencia de las maquinaria en los lienzos suele ser un elemento común, no como un elemento romántico como en el caso de los futuristas, sino como una crítica por su capacidad alienadora  y otros elementos negativos hacia el  ser humano. En cuanto a las técnicas de las obras vorticistas, esta se caracterizaba por unas líneas marcadas y colores discordantes que conducían la mirada del espectador al centro del cuadro. Tanto la técnica como la temática del movimiento, son claramente visibles en las obras de Wadsworth, tales como Dazzle-ships in Drydoc at Liverpool (1919), unas de sus obras mas famosas.  

Otro autor que transmitió en su obras el dazzle painting fue el canadiense Arthur Lismer, que acabó convirtiéndose  en el pintor oficial de la guerra gracias a sus obras con temática marina, donde los barcos camuflados ocupaban una parte importante en su trabajos. Influenciado por el post impresionismo y la Escuela  Barbizon, sus obras de temática marina y bélica, muchas de ellas dibujos y litografías, mostraban de forma muy realista la presencia de los barcos canadienses camuflados mediante la técnica del dazzle painting y/o acompañados de traineras (pequeñas embarcaciones utilizadas para la pesca de arrastre) que actuaba como embarcación auxiliar. Una de sus obras mas conocidas fue Olympic with returned soldiers (1918) donde se pueden ver el regreso del buque Olympic en el puerto de Halifax tras finalizar la I Guerra Mundial. El barco y el puerto, fueron todo un emblema del estado canadiense durante el periodo bélico, y es que este barco de guerra, conocido también como el old fiable transportó mas de 200 000 canadienses, británicos o estadounidenses a los frentes de lucha desde su puesta en escena en 1915.
Curiosamente, el que podemos considerar como el verdadero padre del dazzle painting, Norman Wilkinson, no trasladó con demasiado entusiasmo su invención en sus obras pictóricas. Todo y que sus obras se basaban básicamente en temática marina, encontramos escasas obras donde se puedan observar la presencia de barcos camuflados bajo la técnica del dazzle painting. Sin embargo, hemos de tener en cuenta que cuando Wilkinson pintaba barcos camuflados con su técnica, como en el caso de HMS Malaya se reflejaba claramente la calidad del dazzle painting, para confundir al observador.

Entre lo público y lo privado. Un repaso a la obra de Gillian Wearing

Ya desde sus primeros trabajos, Gilian Wearning, explora la diferencia entre lo público y lo privado, lo social y lo individual, entre el voyerismo y el exhibicionismo. Una investigación que la acompañará gran parte de su vida artística, tal y como se refleja en el vídeo "Dancing in Peckham" (1994). En esta obra  la autora explora la interacción entre nuestros semejantes y nosotros mismos, y de como esta interacción se realiza diariamente, como un hecho cotidiano que realizamos a partir de una serie de conductas aprendidas en base a unas necesidades. Unas necesidades o expectativas que  Wearning ironiza a través de la realización de un baile en plena calle. El ritmo de la canción, que solo existe en la cabeza de la artista y es propagada al exterior a través de un baile vigoroso, tiene algo de experimentación social, pero nos encontramos realmente, en la recreación de un hecho que la autora presenció en la vida real, donde una mujer realizaba aquellos mismos movimientos.

Si que existe mas experimentación social en otras obras que la artista realiza a partir de personas comunes y el entorno en el que pertenecen. En "Drunks" (1997-99), la autora trabaja con un grupo de gente con problemas de alcoholismo y que viven en la calle, donde sobre un fondo totalmente blanco, los graba con vídeo, sin apenas darles ningún tipo de orden. Formado a partir de tres proyecciones simultaneas, estos sujetos duermen, interactuan entre ellos o simplemente miran fijamente la cámara. La acción desinhibida que produce el alcohol sobre las personas alcohólicas causa sobre el espectador una sensación desagradable e incluso de humillación respecto a las personas a las que observa, pero a la vez, llega a ser consciente (racionalmente, pero también emocionalmente) del comportamiento psicológico que el alcohol provoca sobre estos sujetos. 
Algo similar sucede en "Bully" (2010), aunque esta vez, la actuación se realiza con actores. Esta vez, la experimentación social hace referencia al acoso de unos individuos hacia un joven. La actuación de otro personaje, provocará que finalice este acoso, no sin antes desprender toda la rabia de este personaje sobre los acosadores y, finalmente, las lágrimas. 


Pero mas allá de esta experimentación social que presentan algunos de los trabajos de Wearing, muchas de sus obras nos muestran estos hechos diferenciales, entre aquello que se nos muestra y el significado que existe verdaderamente detrás de la imagen. En la serie de fotografías "Signs that Say what you want them to say and not sign that say what someone else wants you to say" (1992-1993), mas de 600 fotografías muestran a diferentes transeúntes sosteniendo mensajes compuestos de hojas proporcionadas por Wearing, donde queda plasmado un mensaje. De esta forma podemos ver un policía que sostiene la palabra "Ayuda", otra persona con un tatuaje releva que "he sido certificado como ligeramente loco!" pero será la de un hombre con traje que en su papel se puede leer "estoy desesperado" la que acabará convirtiéndose en la fotografía mas conocida de la serie. Estas realidades objetivas, son realmente una manipulación establecida por la fotógrafa que se encuentra detrás de la cámara y ha colocado de forma arbitraria cada mensaje con el personaje que ella misma ha elegido. Pero independientemente de la manipulación de Wearing en las imágenes, el espectador descubre dos elementos diferenciales: el personaje y el mensaje. En otras palabras lo público y lo privado, forman parte de una misma obra.

En sus últimos trabajos Wearing investiga la complejidad de la dinámico familiar y como las tensiones se agravan cuando hay un proceso de exhibición pública o semipública. Así, la serie "Album" (2003) Wearing utiliza el maquillaje y la iluminación para "acoplar" su rostro, en el rostro de fotografías antiguas de sus propios familiares. De esta forma ella acaba convirtiéndose en sus antepasados e incluso se re-convierte en ella misma a la de edad de 17 años. La propia artista afirmó a propósito de este trabajo que le interesaba la idea de estar conectada genéticamente con alguien y saber que había algo de ella, literalmente, en todas aquellas imágenes. De esta forma el disfraza utilizado por la artista sirve, paradójicamente, para revelar aspectos de su identidad, en lugar de ocultarlos.

No era la primera vez que esta artista utiliza la simultaneidad en su obras. Años antes, la obra para televisión 2 into 1 (1997) Wearing edita un vídeo donde la voz de la madre es substituida por la de sus hijas y la voz de las hijas por la de sus madres. De nuevo, como ocurrirá en "Album" nos enfrentamos a algo paradójico: la unidad materno-filial que nos transmite la imagen, nos lleva a descubrir también todo aquello que las separa. 

Antoni Miró, una lucha continua

Del expresionismo al realismo social. Una conducta poco habitual en el mundo de la pintura, donde el camino suele ser a la inversa. Este ha sido el trayecto del pintor y escultor valenciano, Antoni Miró. Su llegada al realismo social, durante el periodo tardofranquista, dejó un legado artístico caracterizado por la denuncia y crónica social, pero también insertó su obra dentro de las corrientes provenientes de EEUU, como el Pop-Art. El título de sus obras durante este periodo son un claro reflejo de este papel cronista que tiene su obra: Experimentació Vietnam (1968), America negra (1972) o El Dollar (1973-1980).

Pero sus obras, no solo hacen referencia a aquellos problemas que a la vez son tan lejanos y tan cercanos, sino que  también son un claro reflejo de la sociedad mas cercana a su país. A través de los personajes que forman parte de su entorno intelectual y ideológico, el artista nos muestra su (nuestra) realidad mas inmediata. Personajes que han influenciado en su vida, como Fuster, Estellés, Ovidi Montllor o Espriu forman parte de su obra gráfica con el objetivo de transmitir el pensamiento de estos intelectuales al espectador. La comunicación de Miró con estos personajes ha sido recíproca. Podemos ver el ejemplo del poema que le escribe Espriu o de las palabras que le dedica Fuster. Pero esta comunicación recíproca entre pintor y los intelectuales de su época y su entorno, no solo es artística o intelectual, sino que también es epistolar, algo que la convierte en una comunicación amistosa y que sitúa al pintor, dentro del grupo intelectual que conformó el país.
Su activismo ha tenido respuesta, también en la época democrática, por parte de los dirigentes políticos conservadores que gobernaron. La propuesta de exponer en el IVAM en 1997, quedó relegada tras la entrada en esta institución de Juan Manuel Bonet y posteriormente por  Consuelo Ciscar. También su obra "25 d'Abril de 1707" que conmemora los 300 años de la Batalla de Almansa, pretendió ser retirada de la localidad de Gandia. Hechos como estos,  le dan la razón al afirmar que aquello que pintaba a sus inicios, sigue vigente hoy en día. 

GERARD MAS: LO COTIDIANO EN LO CLÁSICO. LO CLÁSICO EN LO COTIDIANO

Esculturas claramente influenciadas en el Renacimiento, el Arte Egipcio o en el Románico, las obras de Gerard Mas dan una vuelta de tuerca a sus influjos. El toque de aquello "actual" y "cotidiano" que el artista le otorga a sus bustos, transforman por completo, aquel significado inicial, que bien podría clasificarse como sagrado o histórico, dándole un nuevo significado: irrespetuoso, irónico, etc. 

Pero lo cotidiano, no solo cumple la función de impregnar la obra artística, sino que lo cotidiano, se convierte muchas veces, en la propia obra artística. Perros, ovejas y otros animales que nos acompañan o nos han acompañado a lo largo de la historia, se convierten en algo mas que un simple animal de compañía. Su transformación en obra escultórica lo transforma en figuras semidivinas. 

Palestina. Tras la cámara de William Booth.

El corresponsal del diario Washington Post en Israel, Gaza y Cisjordania, William Booth, publicó en su cuenta de Twitter una serie de fotografías de Gaza, después de los terribles ataques del ejercito israelí sobre la zona. 

Aprovechando la tregua de doce horas que se llevó a cabo, el fotógrafo, residente en  Gaza, fotografió el escenario de los ataques, quedando patente, el horror que los habitantes de la zona están sufriendo. Muchas de las imágenes corresponden a Beit Hanún, en el norte de Gaza, cerca de la frontera con Israel. Las fotografías, han sido publicadas en diferentes medios, como el suyo propio o en el periódico Cuba Debate, el cual, ha visto en este conjunto de fotografías, el recuerdo del ataque fascista que la ciudad de Guernica sufrió durante la Guerra Civil española.

El conflicto se ha llevado la vida de cerca de 940 palestinos desde el inicio de los bombardeos israelís, el 8 de julio.

Lina Manousogiannaki o la vejez de los superherores

Durante años e incluso generaciones, hemos visto a los superheroes como seres superiores, que no han vencido tan solo a sus grandes enemigos, sino también al propio tiempo. Sin embargo Lina Manousogiannaki, nos muestra una cara bien diferente de la figura del héroe y la heroína. Los héroes de esta artista, se presentan como personajes mas humanizados, que todo y ser derrotados por el paso del tiempo, se niegan a desprenderse de su máscara, aquella máscara que a la vez que nos ocultan su identidad, nos sirve para identificarlo.  Y si existe alguna figura parecida a este tipo de personaje presentado por Manousogiannaki, en nuestra sociedad, estos son los políticos, personajes que igual que Superman, Batman o Hulk, luchan de forma insaciable, y que a su vez se niegan a envejecer. Así como nos lo presenta Manousogiannaki, vemos nosotros los héroes, pero ellos se verían, seguramente, igual que los políticos se ven:

Actual topics + Old masters = Mitch Griffiths.

La inspiración en los grandes maestros del barroco han servido al artista británico Mitch Griffiths para plasmar en su obra, una serie de temas de total actualidad. 

Desde un San Sebastián martirizado por el consumismo hasta un Jesucristo víctima de las drogas, se pueden apreciar en esta obra de Griffiths. Una serie de obras que acercan, temporalmente, dos temas tan dispares en el tiempo, como son la religiosidad y el consumismo, pero que a la vez, nos muestran como el ser humano, sigue siendo víctima de otra "religión".